MARK ROTKO (1903 – 1970)

Fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.
Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la capilla de la familia Ménil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros cubren un espacio octogonal.

http://www.markrothko.org/

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JOSEF ALBERS (Bottrop, Alemania 1888 – 1976)

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta. Es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido.

El trabajo de Albers representa una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano. Su trabajo incorpora las influencias europeas de los constructivistas y el movimiento Bauhaus, y su intensidad y la pequeñez de escala son típicamente europeos.

Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Víctor Vasarely fundador del Op-art. En este contexto, sus series más famosas son parte deHomenaje al cuadrado, cuyas imágenes son siempre los mismos tres o cuatro cuadradosde diferentes colores organizados de forma concéntrica. Esto demuestra que un mismo color en función del entorno causa un efecto radicalmente distinto en el espectador. Por lo tanto, Albers es también uno de los representantes de Hard edge.
http://www.albersfoundation.org/Albers.php?inc=Galleries&i=J_1
http://www.albersfoundation.org/Albers.php?inc=Galleries&i=A_1

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VICTOR VASARELY (Hungría, 1906 – 1997)

Asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

http://www.vasarely.com/ ( ver serie “Gestalt” – “Folklore” )

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TOMAS MALDONADO ( 1922 )

Pintor, diseñador industrial y teórico del diseño argentino. Es conocido por su considerable influencia en el pensamiento y la práctica del diseño en la segunda mitad del siglo XX y es considerado como uno de los principales teóricos del llamado enfoque científico del diseño. Fue miembro fundador del Movimiento de Arte Concreto y uno de los protagonistas de la renovación plástica de la década de los 40 en la Argentina.

Su profusa producción teórica sobre temáticas vinculadas al diseño, la proyectación, el medio ambiente y la filosofía técnica, lo posicionaron como un referente insoslayable del pensamiento contemporáneo.

Sobre la expo de Maldonado hace unos años http://www.ramona.org.ar/node/18709





http://www.carpetashistoria.fahce.unlp.edu.ar/carpeta-2/arte/constructivismo-16/image_preview

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POLLY APFELBAUM (1955)

http://www.pollyapfelbaum.com/

Conocida por su paleta de llamativos colores y matices, Polly Apfelbaum crea lo que ella llama “cuadros caídos,” obras que existen en un espacio entre la pintura, la escultura y la instalación. Después de utilizar bocetos y mapas para planificar sus obras, los diseños se disponen en el suelo con telas de colores vibrantes y saturados. Inspiradas orgánicamente, sus obras canalizan la pintura abstracta con su forma geométrica y temática no representativa, mantiendo una presencia física y escultórica en el espacio en el que están contenidos.

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SOL LEWITT (1928 – 2007)






http://www.massmoca.org/lewitt/

Artista ligado a varios movimientos incluyendo arte conceptual y minimalista. La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras (término que él prefería al de escultura) son sus medios artísticos predominantes. Fue objeto de centenares de exposiciones individuales en museos y galerías por todo el mundo desde 1965.
Se ha relacionado mucho a LeWitt con el minimalismo y se convertiría en uno de los pioneros del arte conceptual y uno de sus teóricos más destacados. Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales (más de 1200) a fotografías y centenares de dibujos y estructuras en forma de torres, pirámides, formas geométricas, y progresiones. De diferentes tamaños, desde maquetas a estructuras monumentales. Sol Lewitt utiliza frecuentemente estructuras abiertas y modulares originarias del cubo, una forma que lo influyó desde que se hizo artista. Sus esculturas incluyen las estructuras tempranas de la pared y tres proyectos seriales a partir de los años 60; cuatro cubos abiertos incompletos a partir de los años 70; numerosos pedazos de madera blancos pintados a partir de los años 80: El hexágono, forma derivada de un cubo, estructura con tres torres, entre otras así como maquetas para las estructuras de bloque concretas a partir de los últimos años 90.

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LISA GROSSMAN ( Artista contemporánea / Pennsylvania )

http://lisagrossmanart.com/
http://lisagrossmanart.com/work-2/

Pinturas de Grossman están desprovistas de objetos típicamente representados en la pintura de paisaje, como árboles, viviendas y otros artilugios artificiales, tales como automóviles y líneas eléctricas. Ella en cambio los borra con sus pinceladas seguras que ofrecen campos ininterrumpidas, contemplativas de color abiertos a la auto-reflexión. Las variaciones sutiles de color y contorno sugieren la presencia omnipresente de la luz y el aire, mientras que Grossman puntúa en silencio el espacio con formas dramáticas de las nubes pasajeras, sinuosos cursos de agua, las explosiones del sol brillante o reflejos vítreos.

Paleta de colores de Grossman es una reminiscencia de pinturas impresionistas tempranos, pero las pinceladas son lánguidos y deliberada con vencimiento moderno y sensibilidad que exponer una delicadeza sublime. El trabajo de Lisa es descrito por Alice Thorson, crítico de arte para el Kansas City Star, diciendo, “Grossman no es un pintor dominguero que busca gratificar con vistas panorámicas … un manejo moderado pintura y la paleta producen quietud Rothkoesque “.

“Durante casi veinte años, mi trabajo pradera, principalmente plein air, ha sido una meditación sostenida en los espacios abiertos. El poder de este lugar, y mis respuestas viscerales a tiempo y los cambios en la luz, el color y las estaciones, han sido los verdaderos sujetos de mi trabajo.
Mi trabajo siempre ha sido acerca de los cambios y lo efímero. No estoy mucho tratando de congelar momentos en el tiempo tanto como yo estoy tratando de transmitir mi experiencia con ellos. Mi deseo es compartir algo de lo que he descubierto, que ofrece una nueva forma “a ver estas vías fluviales y llanuras abiertas que se espera, en última instancia, despierta un nuevo aprecio por ellos.
Lisa Grossman

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BEATRIZ MILHAZES (Río de Janeiro, 1960)


http://malba.org.ar/web/exposicion.php?id=133&subseccion=actuales



Es pintora, grabadora y profesora. Es conocida por su trabajo en la yuxtaposición de imágenes culturales de Brasil. Trabaja en el más puro estilo estético de los patrones y el movimiento de la decoración. Influenciada por su tierra natal, usa el color de manera vibrante y audaz.

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SIGGI EGGERTTSSON (Artista contemporáneo)

http://www.siggieggertsson.com/
http://vimeo.com/siggieggertsson

Siggi Eggertsson nació en Akureyri, una pequeña ciudad en la costa norte de Islandia. La primera vez que mostró un interés en diseño gráfico en la edad de 14 años cuando comenzó a participar en programas de diseño locales la creación de carteles de conciertos de jazz y exposiciones de arte. Cuando cumplió 18 años, su visión comenzó a expandirse más allá de su casa a distancia, por lo que solicitó a la Academia de las Artes de Islandia en Reykjavik para estudiar Diseño Gráfico. Durante su primer año conoció al tipógrafo Atli Hilmarsson y comenzaron a trabajar juntos en los escritos de diseño. Aquí Siggi Eggertsson desarrollado no sólo como tipógrafo y diseñador, sino también, cada vez más, como ilustrador y creador de imágenes en su propio derecho. En 2005 se trasladó a Nueva York para trabajar en el estudio de diseño Karlssonwilker seguido de un traslado a Berlín para estudiar en el Kunsthochschule Berlin-Weissensee.

Tiene una identidad visual única y completa, y su forma de trabajo tiene en su diseño de fondo, lo que se traduce en el trabajo de la profundidad y el sentido de propósito oculto.

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CARLOS CRUZ DIEZ (Caracas, Venezuela 1923)

http://www.cruz-diez.com/es/

La obra artística de Cruz Díez ha sido catalogada a veces como sistemática o automática. Sin embargo, tal apreciación es sumamente precipitada y superficial. La sensibilidad artística de la obra de Cruz-Díez reside en su carácter experimental; el autor no busca un arte intimista, por considerarlo egoísta: y aunque trabaja apoyado en patrones, ritmos y sistemas, para Cruz-Díez, el arte debe ser experimentado, vivido y compartido. Por ello se centra en recrear el entorno propicio para que las personas vivan el arte, propiciando una interactividad entre la obra y su observador: así se elabora un arte donde el color y el movimiento son sinónimos, que busca situar a quien lo disfruta como parte de él, y hacerle conocer que la experimentación con el entorno es lo que construye su forma de arte. De allí el juego con los colores y los reflejos entre obra y espectador: el humanismo de la obra de Cruz-Díez la crea el observador cuando participa de él, su relación con el ser humano estriba en las reacciones emotivas e incluso físicas que despiertan las obras en éste.

Por su búsqueda de experimentalidad y del compartir, la obra de Cruz-Díez se ha vinculado fuertemente con la arquitectura y el urbanismo, por lo que podemos encontrarla ornando plazas, teatros, edificios, avenidas, aeropuertos,puertos y otros sitios públicos de Venezuela y el mundo.

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ROBERTO AIZENBERG, (Argentino, 1928 -1996)

MUESTRA VIGENTE EN EL MUSEO FORTABAT

(Expo Museo Fortabat http://www.coleccionfortabat.org.ar/ http://www.coleccionfortabat.org.ar/muestra.php?id=3 )






Pintor y escultor considerado como el más importante surrealista de la Argentina.
Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde con Juan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del ’50.
La obra de Aizenberg muestra torres aisladas, ciudades vacías, edificios misteriosos y deshabitados, raras construcciones poliédricas.
Aizenberg utilizaba una técnica de pintura en dos fases:
la primera, utilizando el automatismo, librándose al azar;
la segunda, excluyendo todo azar, seleccionando unos pocos bocetos de entre decenas y analizando la información generado por la fase automatista.
Aizenberg criticaba severamente la utilización de modelos en la enseñanza del arte. Para él, el modelo implicaba una “rigidez total, anacrónica, totalitaria, en el sentido de la dependencia del artista al modelo, a la autoridad del modelo, es la enseñanza del arte”. El modelo, para Aizenberg, era lo opuesto a la libre expresión. Sostenía que la esencia del arte moderno era la ausencia de un modelo para copiar o de una realidad exterior que debía ser imitada.
La influencia de Juan Batlle Planas fue fundamental para Aizenberg. Batlle era un artista inclasificable destacaba la importancia del surrealismo y el psicoanálisis, y ubicaba la pasión en el centro de la actividad del artista, con el fin de utilizar el automatismo energético como agente catalizador del inconsciente colectivo.

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MARIA SUARDI (Argentina)

MUESTRA VIGENTE

expo actual que les comente
http://mariasuardi.com.ar/Pintura.html
http://mariasuardi.com.ar/Obra_grafica.html







Nació y vive en Rosario, Argentina.
Desde 1969 expone individualmente en Argentina, Paraguay, Bolivia, Perú, Uruguay, Chile, Brasil, Inglaterra, Italia España y Alemania; y recibió premios nacionales e internacionales.
Fue becada por el Fondo Nacional de las Artes en la Escuela Superior de Bellas Artes «Ernesto de la Cárcova»; por el Consejo Británico para realizar cursos de serigrafía en el Slade School of Fine Art de la Universidad de Londres y para realizar investigación de la educación por el arte en Inglaterra; por el Gobierno italiano para un curso de Arte Gráfico en el Istituto Statale d’Arte de Urbino; y por Partners of the Americas para investigar sobre «Educación por el Arte en Los Angeles, U.S.A.
En 1990, 1994 y 1996 fue invitada a trabajar como artista residente en la Facultad de Arte, Diseño y Humanidades de la Universidad de Brighton, Inglaterra.
Desde 1994 hasta 2004 impartió un curso de serigrafía en la Universidad de Salamanca, España.
Actualmente dicta la cátedra de Educación por el Arte en el profesorado de Inglés del colegio San Bartolomé, Rosario.

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CINE EXPERIMENTAL

JAMES WHITNEY

Budista como su mentor Oskar Fischinger, tardó siete años en completar su obra maestra utilizando un sistema de animación mecánico analógico, controlado por ordenador, que aplicaba, con la delicadeza de un artesano, fotograma a fotograma. El resultado es una imagen singular, entre la abstracción, el cultivo del mandala y la presicodelia, que parece latir, cambiar y rotar lentamente mientras suena una relajante banda sonora compuesta por música sitar.

JORDAN BELSON

En Samadhi, el uso de los colores y las intensidades lumínicas responden a descripciones del libro Tibetano de los muertos
https://vimeo.com/33893272
http://vdownload.eu/watch/308091-jordan-belson-samadhi-1967.html

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