Hola!
Les acercamos una serie de piezas audiovisuales que les servirán de inspiración, referencia estética/ideológica, pero sobre todo como objetos de estudio de los elementos compositivos de la imagen fija, a la vez también para comenzar a identificar los recursos/herramientas relativos a la composición de la imagen cinética.
FOTONOVELA. “La Jetée” de Chris Marker (1962) (francés)
CORTOMETRAJE. “Junktopia” de Chris Marker (1981)
Aclaración: Este corto no está hecho desde imagenes fijas. Sin embargo las tomas (por su carácter, planos fijos de escenarios fuertemente estáticos) se pueden analizar como tomas fotográficas. Focalicensé en el análisis de la estructura temporal, el ritmo, el tiempo de lectura de cada toma.
FOTONOVELA. “Prado de Behzin” de Serguéi Eisenstein (soviético). Extracto. Reversión en formato fotonovela, sobre la base del guion original (usando los fotogramas rescatados de un incidente que buscaba destruir el material fílmico). Filmada en los ’30s. Reconstruída en los ’60s. Exquicita fotografía.
CORTOMETRAJE de DENUNCIA. “Ni olvido ni perdón, 1972. La Masacre de Trelew” de Raymundo Gleyzer (argentino). La película se hizo en base a material fílmico de la conferencia de prensa que los fugados del penal hicieran en el aeropuerto (donde habían quedado acorralados) y con una serie de fotografías.
LARGO Documental. Trilogía Qatsi: “Koyaanisqatsi” (1982), “Powaqqatsi” (1988) y “Naqoyqatsi” (2002). Dirigidas por Godfrey Reggio (norteamericano) Aclaración: Nos interesa el uso del plano fijo (a veces con sutiles movimientos) de escenarios generalmente estáticos.
Koyaanisqatsi (1982) Extracto.
Powaqqatsi (1988) Extracto.
Naqoyqatsi (2002) Extracto.
LARGO Documental. “Baraka” (1992) de Ron Fricke (norteamericano)
En la revisión histórica del Video Arte en la etapa inicial, estableciendo un rango que va desde las posiciones más formalistas y experimentales (vinculadas con rasgos de las vanguardias históricas) a las más conceptuales.
En el primer extremo sitúan a Nam June Paik, y en el opuesto a Wolf Vostel, ambos son considerados los precursores del video arte y estaban vinculados al grupo Fluxus.
hola a todos, acá van algunas rotoscopías para que vayan mirando y por qué no inspirandose,
Un videíto sobre Max Fleischer y su Koko the clown, tiene un par de datos curiosos y un capítulo del dibujo animado.
1936 – Trabajo de Len Lye. Hablamos en clase de este trabajo, podría ubicarse en la categoría de técnicas mixtas, ya que articula distintas formas de animación, sin embargo se encuentran algunas intervenciones de rotoscopía.
1937 – este otro también de Len Lye tiene mucho trabajo con texturas y capas.
1986 – video de A-ha – ‘Take on me’
– Flat Black Films. Esta compañía diseñó el soft Rotoshop, en la web van a encontrar varias producciones hechas con este programita que están muy buenas, una de ellas es la peli Waking Life, que aparece en la ficha del tp.
Arthur Melbourne Cooper realiza un film publicitario Matches: An Appeal, para una fábrica de fósforos: Bryant & May. Fue hecho en 1899 y es, probablemente, el primer comercial animado del mundo.
Para sus películas, también busca inspiración en el armario de los juguetes, realizando títulos como Noah’s Ark (1906) y Dreams of Toyland (1908). En la misma, un niño al que le han regalado varios juguetes, incluyendo un osito de peluche y un pequeño caballo de madera, se queda dormido y sueña que éstos cobran vida.
El método de Cooper de filmar en exteriores con luz de sol, presenta sus inconvenientes, ya que la combinación del stop-motion con las nubes pasando y con la rotación de la tierra produce extrañas y temblorosas sombras. Sin embargo, continúa utilizándola para hacer otros exitosos filmes con temáticas similares: Cinderella y Wooden Athletes (ambos de 1912) y The Toymaker’s Dream (1913).
Matches
Dreams of Toyland (1908)
Stuart Blackton (1875 – 1941), británico.
En 1906, J. Stuart Blackton dirige una película en la que utiliza stop-motion con dibujos y marionetas de papel: Humorous Phases of Funny Faces. La mano de Blackton dibuja dos caras en un pizarrón y éstas cobran vida. Luego un payaso de papel hace malabares.
En 1907, Blackton y su compañero Albert E Smith usan esta técnica para crear asombrosos efectos en su película The Haunted Hotel, que cuenta la historia de un turista que pasa la noche en una posada administrada por espíritus. Al año siguiente, ambos realizan la que es considerada como la primera película stop-motion con muñecos: The Humpty Dumpty Circus. En este film -que se ha perdido- usan muñecos articulados de madera de animales y circenses que pertenecían a la hija de Smith.
Humorous Phases of Funny Faces
The Haunted Hotel
Ladislaw Starevich (1882-1965), polaco-lituano.
Siendo director del Museo de Historia Natural de Kovno, Lituania, Starevich está fascinado por la entomología. Mientras estudia la vida de los insectos, decide grabar las batallas nocturnas de los escarabajos en épocas apareamiento. El hecho de que se desarrollen en la oscuridad, lo lleva a la búsqueda de otra alternativa diferente a la captura directa, en la que la luz, sería fundamental. Es entonces que implementa la técnica de stop-motion que había visto en el film de Emil Cohl The animated Matches (1908). Así se vale de la animación de insectos embalsamados y recrear éstas situaciones.
Reconociendo que, al trabajar con insectos, sus personajes están limitados por carencia de expresiones faciales, Starewich comienza a hacer muñecos de mamíferos, para filmes como Town Rat, Country Rat (1926) y su largo The Tale of the Fox, que reconstruye una historia en episodios basada en las fábulas de La Fontaine. Se trata de las hazañas de un astuto zorro que está siempre engañando a los demás, particularmente a un torpe lobo. Los animales están vestidos y humanizados. La animación es excepcional.
En The Mascot (1934), Starewich regresa a los juguetes combinados con vivo.
1911 // Espacio // Primer Film tridimensional
The Cameraman’s Revenge – original music (part 1 of 2)
1930 // The Tale of the Fox – Wladyslaw Starewicz Part 1/6 (English subtitles)
1933 // The Devil’s Ball
1934 // The Mascot
Alexander Ptushco (1900-1973), ruso.
La herencia cultural del teatro de marionetas era la fuerza motivadora detrás de muchas de las primeras películas de muñecos que (aunque, ahora, sean desconocidas) en aquellos días eran aclamadas como cine innovador.
The New Gulliver (1935) realizada por el animador ruso Alexander Ptushko presenta otro cuento de sueño en el cual un joven cae dormido sobre una copia de Los viajes de Gulliver y despierta en un Lilliput actualizado, que incluye bandas de jazz, tractores mecánicos y (con el mejor espíritu revolucionario) un proletariado que se levanta con la ayuda del joven gigante. Incluye escenas filmadas en cámara combinando un actor en vivo con, aproximadamente, 3000 muñecos (en lugar de crear el efecto, a través de trucas en el procesado).
The New Gulliver (1935)
Novyy Gulliver / The New Gulliver: Amazing Stop-motion shot
The Little Golden Key (1939)
Золотой ключик / The Golden Key
Ray Harryhausen (1920-2013), norteamericano.
En 1945, comienza a producir una serie de cortos con temas de fábulas.
El primero de estos filmes, Mother Goose Stories, tiene escenografías con mucho detalle y encantadores muñecos estilo cartoon.
Willis O’Brien, director de efectos especiales de King Kong, es quien impulsa a Harryhausen a dedicarse a la animación de muñecos y maquetas, mediante la técnica de stop-motion.
En la que probablemente es la mejor película de Harryhausen, Jason and the Argonauts (1963), hay una maravillosa escena en la cual el actor Todd Armstrong pelea con un ejercito de esqueletos. Desde The 7th Voyage of Simbad (1958) hasta The Clash of the Titans (1981), Ray Harryhausen le dio vida a una cantidad de terroríficas criaturas mitológicas, sirenas, dragones, centauros, etc.
Ray Harryhausen’s Mother Goose: Little Miss Muffet 1946
Ray Harryhausen And His Iconic Monsters
The Ray Harryhausen Creature List
Space sphere
First Men in the Moon (1964)
‘War of the Worlds’ – Ray Harryhausen martian test footage
Skeletons
Jason and the Argonauts (1963)
Kihachiro Kawamoto (1925–2010), japonés.
Durante la Segunda Guerra Mundial, un animador llamado Tadahito Mochinaga realiza animación con dibujos y muñecos en China. Mochinaga es, así, el primer japonés que hace animación stop-motion. Después de la guerra, regresa a Japón y entrena a Kawamoto que, en 1953, realiza un comercial para televisión de 2 minutos utilizando stop-motion. Más tarde, viaja a Europa para estudiar con el realizador checo Jiri Trnka. Trabaja en Hungría, Polonia, Rumania y Rusia, luego, vuelve a Japón.
Las películas de Kawamoto -entre las cuales están Demon (1972), A Poets Life (1976), y House of Flame (1979)- unen la animación de muñecos europea con la larga tradición de marionetas en Japón que data del siglo XVII (Bunkaru). Encontrando su inspiración en las máscaras de drama Noh2, los muñecos de Kawamoto no sólo están animados con precisión, también están hechos esmeradamente
Shijin no Shōgai – A poet’s life – 1974
Winter days / Fuyu no hi [36]
Jan Svankmajer (1934), checo.
Desde su primera película, The Last Trick (1964), el animador checo Jan Svankmajer, lleva al cine el teatral arte de máscaras y títeres, combinandolos con técnicas de animación, usando plastilina, modelos, recortes y objetos inanimados que, mágicamente, adquieren vida, marcados por una imaginación surrealista que provoca un terror infinito. Tiene una inclinación hacia lo absurdo, mezclando el humor y la sátira con el misterio y el espanto.
Según la opinión de Svankmajer, el surrealismo no es sólo una corriente artística, sino una postura hacia la vida y el mundo, “Nunca me llamé a mí mismo un cineasta de animación porque estoy interesado no en las técnicas de animación o en crear una animación completa, sino en traer a la vida a los objetos de todos los días. El surrealismo existe dentro de la realidad, no además de ella (…) El surrealismo es psicología, filosofía, una senda espiritual pero no una estética.”
Sus películas juegan con fobias universales: sótanos oscuros y casas vacías, cosas muertas (como una lengua de buey) que lucen desagradablemente humanas; y cosas peligrosas como clavos, tijeras y vidrios rotos. Su objetivo principal consiste en desafiar los temas tabú, vinculando comida, muerte y sexo, dolor y placer, en una imaginería sorprendente e inolvidable.
Alice – Něco z Alenky
Los Hermanos Quay (1979), norteamericanos.
Sus películas derivan de la larga tradición del teatro de títeres y de la cultura de Europa del Este. Devotos del maestro checo Jan Svankmajer, deben mucho a su inspiración.
Los mellizos Quay tienen un dominio impresionante de color y textura, y es destacable el uso del foco y los movimientos de cámara, que hacen a sus obras únicas e instantáneamente reconocibles.
Sus películas, que incluyen Nocturna artificialia (1979) y Street of Crocodiles (1986), presentan una visión intrincada de un mundo decadente, provocan un irresistible sentimiento de claustrofobia y confusión kafkiana; “No es tanto una pesadilla. Nosotros creemos que, con animación, se puede crear un universo alternativo; y, lo que queremos lograr con nuestras películas es un universo alternativo objetivo, no un sueño o una pesadilla, pero sí un mundo autónomo y autosuficiente, con sus propias leyes.”
Brothers Quay -1984- The Cabinet of Jan Svankmajer.
Street of Crocodiles (Timothy & Stephen Quay, 1986)
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